Andy Warhol Sopa Campbell

Autor: Andy Warhol Tipo de obra: Polímero sobre tela Estilo: Pop - Art Cronología: 1969 Localización geográfica: Colección Particular EE. UU. Descripción y análisis de la obra: A finales de los años cincuenta y durante la década siguiente, fueron varios los aristas que insertaron en sus cuadros objetos de consumo cotidiano, corrientes y vulgares, algunos de mal gusto (kitsch). Crearon una nueva iconologia, amplísima y heterogénea, que abarca desde una gallina disecada hasta el mito de Marilyn Monroe. Pasando por las botellas de Coca-Cola- una cama, los cómics o anuncios publicitarios. Esta nueva figuración rompía con el modo de hacer del informalismo, movimiento dominante en Norteamérica y Europa en los años cincuenta. Su éxito erigió a los Estados Unidos como líder en el campo de las artes visuales. Su recuperación de objetos triviales, intranscendentes y antitéticos la vinculó al dadaísmo de Duchamp («ready-made»), pintor considerado como antiartista. La lata de sopa Campbell es una de las imágenes más reconocidas por cualquier americano, algo tan vulgar, como pueden ser en nuestra sociedad, los Chupa- Chups, los envases de Cola-Cao o las latas de anchoas. El envase es presentado frontalmente para que sea bien visible el logotipo de su empresa. La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo. La apariencia similar al dibujo de reproducciones publicitarias, incluso de apariencias fotográficas no molestan al pintor, que pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana. Los representantes puros del Pop- Art –descubiertos por Leo Castelli- restan fuerza al nihilismo dadaísta y afirman el arte de la vulgaridad. «para borrar la frontera entre el arte y la vida». Artdy Warhol, hombre polifacético, fue en sus inicios publicista, ilustrador y decorador, experimentando también con la corriente informal. Pintor y realizador de films underground, es sobre todo conocido por sus series de serigrafias, repetición a través de cambios de color del bote de la sopa Campbell, del estropajo Brillo, del rostro de Marilyn Nionroe, de Elvis Presley o de J.F. Kennedy. Hace un trabajo gráfico y, como Roy Lichtenstein, es también un técnico de la información: «Cuando vemos varias veces seguidas una fotografia macabra, acaba por no producimos ningún efecto». Así, en su obra el eje vertebrador es la obsolescencia, lo efímero, como la imagen-noticia se diluye en la psicologia de los mass-media. Warhol rechaza el modo de vida noaeamericano, esteriotipado y angustiado, estimulado a partir de eslógans visuales. En la sociedad de consumo, las cosas-objeto se han convenido en protagonistas, mientras que las personas sufren una progresiva deshumanización. Aspectos técnicos y estilísticos: Los artistas del Pop- Art plasman en sus cuadros estos objetos devoradores de la individualiclad. Evidencian el problema de la incomunicación en la socieclad tecnológica desarrollada y la falta de conciencia en el entramado social. En sus composiciones domina la reiteración compulsiva de la imagen. En algunas escenas de gran violencia, denuncian el malestar de la sociedad actual. Al plasmar mitos sociales, desmitifican tanto la civilización postindustrial, pragmática y opulenta, como la tradicional obra de arte, cuyo contenido ahora es fácil y trivial. El arte también se consume. No se trata de un arte original ni revolucionario. Los cuadros resultan frios, distantes y muestran la no creatividad de la masa, aglomerada en las ciudades. Es un arte asimilado por la sociedad y por quien la domina. Biografía: Andy Warhol (1928-1987) al igual que Lichtenstein se inició en el mundo de la publicidad y del cómic. Pronto, sin embargo, descubrió las inmensas posibilidades plásticas de las imágenes comerciales, que empieza a reproducir con toda precisión: envases de las sopas Campbell o Brillo, botellas de Coca-Cola, billetes de dólar, coches, retratos de personajes famosos, estrellas cinematográficas (Marilyn Monroe, Liz Taylor), cantantes (Elvis Presley) y personajes anónimos envueltos en refriegas callejeras, disturbios policiales y en asuntos de violencia y muerte. Una sensación de irrealidad y de artificialidad, reflejo del modo de vida americano, mecanizado y deshumanizado, invade estas obras, realizadas a partir de 1962 por el procedimiento fotomecánico de la serigrafía (Silk screen) y basadas en el concepto de la repetición. Pero la serigrafía en manos de Warhol se transforma en un medio flexible; sobre ella aplica con el pincel toques de color. «Si quieres saber algo de Andy Warhol —dijo en una ocasión el pintor—, solo mira la superficie de mis pinturas, mis películas y a mí: yo estoy allí. No hay nada escondido. Warhol se considera a sí mismo como una máquina, y más que hablar de pinturas prefiere hablar de «productos industriales»: «Pienso —declaró en otra ocasión— que cualquiera podría hacer mis pinturas por mí (...). La razón por la que pinto de esta manera es porque quiero ser una máquina». De ahí que el trabajo en equipo sea fundamental en el caso de Warhol. En la Factory (la fábrica), que es el nombre que da Warhol a su estudio, se llevan a cabo distintas series que Warhol únicamente supervisa y firma, sin más control que la introducción de efectos accidentales en el proceso de trabajo, o la inclusión de pinceladas de innegable autoría. La aportación de Warhol al pop no se centra exclusivamente en su vertiente pictórica. Trasladó su obsesión por la imagen comercial y popular al medio cinematográfico y al televisivo, con la creación de escenas y situaciones aparentemente anodinas —la escena del sueño de un individuo durante cinco horas es harto elocuente al respecto—, que en último término dan testimonio de la vena narcisista y autocomplaciente del artista.

SUSPENSIÓN DE CURSO EL DÍA 28 DE AGOSTO

Quisiera informar por este medio a los asistentes al curso Cursos Como leer una obra de Arte-Gabriela Canteros que se dicta en el Centro Cultural Recoleta los días Jueves de 18 a 20 horas que debido al paro nacional el Centro Cultural no tendrá actividades. Les pido mil disculpas, veremos la forma de recuperar la clase del jueves, seguimos en contacto. Saludos a todos. Gabriela Margarita Canteros

La Escuela de Atenas:

Es una obra pintada al estilo de la apoca romana. Aquí nos encontramos con el Rafael más grande y más clásico. El papa lo llama para que decore algunas estancias del Vaticano, exactamente son 4 y las 4 forman un conjunto jerarquizado de frescos en las paredes. En un autentico complejo mural el que forman estas cuatro estancias que son: El incendio, La asignatura, De Heliodoro y de Constantino. El fresco de la escuela de Atenas está en la estancia de la Asignatura. El conjunto está concebido con armonía, con una fuerte jerarquización de las figuras, con un clasicismo perfecto. Los amplísimos espacios abovedados son la escuela en sí. El marco arquitectónico es monumental y tiene el sentido de monumento a la sabiduría de los clásicos, monumento al clasicismo en sí y por lo tanto monumento a la humanidad. Refleja una planta centralizada (entonces en arquitectura era la estructura más clásica). Es un templo imaginario y simbólico de la sabiduría. Los personajes que aparecen son científicos desde la Antigüedad hasta su época (aparece Platón, Aristóteles, etc.) pero pintados con rostros contemporáneos e individualizados. Por ejemplo Platón está pintado con la cara de Leonardo ya bastante anciano. Aristóteles y Platón están en el centro y rodeado de otros filósofos. Rafael quería representar las dos tendencias filosóficas opuestas: método ideológico o método científico. Hay otros grupos rodeando a los maestros. Los rostros son individualizados pero serenos, bellos en su senectud y muy clásicos. Los gestos son variados, el color armónico y el dibujo y la armonía perfecta. El canon para las figuras es también el clásico en sus proporciones. Es el culmen del clasicismo[1].

CARACTERISTICAS DEL RENACIMIENTO

CARACTERISTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos. Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”. Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes, nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios. Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Estos encargos podían llegar a convertirse en oportunidades de empleo fijo como Da vinci en Milán. Este empleo tendrá dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concadenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo. Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara mas esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestro humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes. Los humanistas serian los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Tetrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Colucio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se encuentran los humanistas de la Filología Clásica, entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanista en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo practico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad. En lo que se refiere a la arquitectura el Papa Nicolás V seria uno de los más grandes constrictores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían el presente y los siglos venideros. Con sus edificios recupero un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifez Maximums recontrayendo la iglesia de San Pedro con un mayores esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un “monumento perpetuo” creado por la mano de dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la iglesia. PRINCIPALES CARACTERISTICAS DE LA PINTURA El hombre será el tema central. Se deja atrás la visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval. La exaltación de la naturaleza que se convierte en el eje de observación del mundo junto con el hombre. Esto se manifiesta de las siguientes formas: construcción de villas en el campo y la creación de jardines, los grandes descubrimiento geográficos. El máximo naturalismo en la representación La incorporación de nuevas técnicas y medios pictóricos: la pintura al óleo, la tela como soporte, los esbozos preparatorios (posibles gracias a la técnica de la perspectiva, y a la mejor calidad del papel y de los medios de escritura), etc. . Hasta entrado el siglo XV la palabra “artista” era usada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante el siglo XV y XVI se emanciparon de la programática teologica dándole al concepto “artista” su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social. Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serian encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayoritariamente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las La utilización de la técnica del claroscuro, consistente en definir los contornos de las figuras a través de los contrastes entre las zonas iluminadas y las sombreadas. Ej. Rafael, La Madona del Gran Duque. El predominio del dibujo por encima del color. El uso de esquemas formales geométricamente simples. Ej: Rafael, La Madona de la Caverna. La invención del retrato como un reflejo de una constatación de la condición social del personaje (como era entendido en la Edad Media) Ej: Ticiano, Retrato ecuestre de Carlos V en Muhlberg. La reivindicación del personaje, que tendió a dejar de ser un simple fondo para convertirse en el tema principal de algunos cuadros. PRINCIPALES CARACTERISTICAS DE LA ESCULTURA Marcado naturalismo por buscaba el máximo parecido con la realidad. Gran interés por el hombre como individuo. Su cuerpo y su expresividad fueron objeto de especial estudio. Tendencia al monumentalismo (gusto por las obras de grandes dimensiones y de concepción laboriosa). Independizacion de la escultura con relación a la arquitectura. Al contrario de lo que había sido la tónica en la Edad Media, la arquitectura renacentista rechaza la ornamentación escultórica. Uso de esquema formales geométricamente simples. Predominio de las líneas curvas que hacían volver a la tradición griega. Aplicación de las leyes de las perspectivas que permite dar a diferentes figuras una relación aparentemente parecida a la real. Vuelta de los monumentos ecuestres, prácticamente desaparecida desde los romanos. CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA La arquitectura del renacimiento se inspira mas en su antecedente romano que en el griego, seguramente por su proximidad y monumentalidad. Los arquitectos renacentistas comenzaron a utilizar maquetas y dibujos para atraer a los nuevos clientes y exponerles de manera mas económica y rápida sus proyectos; Este hecho potenció un desarrollo más rápido de la arquitectura. Los cinco órdenes arquitectónicos clásicos van a ser utilizados habitualmente. La bóveda de cañón y el arco de medio punto, por su sencillez, fueron los mas corrientes. Los tirantes metálicos, gran novedad, se introdujeron entre las bóvedas para contrarrestas las cargas. Los conocimientos alcanzados sobre las leyes de perspectiva hicieron posible obras arquitectónicas simétricas y regulares donde las líneas de perspectiva confluían en un único punto central del que se podía observar todo el edificio simultáneamente. El urbanismo moderno como intento de racionalización de las ciudades comenzó con el Renacimiento; en la practica se consumo únicamente en las plazas. Tipologia: las construcciones más importantes fueron: la iglesia (predominaron de planta de cruz griega y las circulares) y el palacio. También destacaron la villa (mansión de campo para descansar o dedicarse a la explotación del campo) y la fortaleza (edificaciones con funciones exclusivamente militares).